Marina Abramović

Marina Abramović è un'artista serba, nata a Belgrado il 30 novembre 1946. Il suo lavoro esplora la relazione tra esecutore e pubblico, i limiti del corpo e le possibilità della mente.Attiva nel campo della body art, utilizza da sempre il proprio corpo sia come mezzo sia come soggetto. Infatti è una delle primissime autrici di performance art e che continua a produrre tutt'oggi. Si dedica ad opere che riutilizzano le azioni più quotidiane,come lo star seduti o pensare, che sono fondamentalmente espressione di un unico stato mentale. Marina Abramović ha sempre messo alla prova i propri limiti fisici e mentali sopportando dolori e torture, correndo rischi alla ricerca di trasformazioni emotive e spirituali.Dal 1992 tiene workshop, conferenze, mostre personali e collettive in tutto il mondo, fino a vincere nel 1997 la Biennale di Venezia con l'esecuzione di Balkan Baroque.Marina Abramović ha grattato e pulito per otto ore al giorno una montagna sanguinolenta di ossa di animale, cantando litanie e lamenti, tra video che celebravano la sua appartenenza ad un paese dilaniato dalle guerre. Azioni fondate sulla capacità di tollerare ogni sorta di umiliazione, paura e fatica.Art must be beautiful, 1975"L'arte deve essere bella, l'artista deve essere bello"In questa esecuzione Marina si spazzola i capelli per un'ora e contemporaneamente si pettina, ripete l'atto arrivando a sfregarsi il volto e a rovinarsi i capelli.Freeing the body, 1975Si avvolge la testa in una sciarpa e inizia a muoversi a ritmo di un tamburo africano, balla finché non è completamente esausta e cade a terra; l'esecuzione dura otto ore.The Abramovich method, 2012La performance ha luogo a Milano, e coinvolge il pubblico, che è guidato e motivato dall'artista a vivere e sperimentare le sue installazioni interattive. La performance consiste nell'entrare nel mondo del silenzio, lontani dai rumori, rimanere soli con se stessi e allontanarsi per poche ore dalla realtà; un'esperienza fatta di buio e luce, percezioni spazio-temporali alterate, assenza e presenza.

Alex Rivera

Alex Rivera (nato a New York City 1973) è un regista statunitense specializzato in film su lavoro, immigrazione e politica. Rivera nasce nel 1973 a New York. Suo padre è un immigrato peruviano e sua madre è una cittadina americana. Cresce nel New Jersey in un ambiente multiculturale, ben presto mostra interesse per il cinema, media digitali e Sci-Fi. Egli è ben noto per il suo lavoro Sleep Dealer che ha debuttato al Sundance Film Festival 2008. Nello stesso anno, gli è stato assegnato il premio del Prize Alfred P Sloan Feature e il premio Waldo Salt Screenwriting. Rivera nel 1995 ha frequentato il Hampshire College, ha studiato inoltre Scienze Politiche e teoria dei media. Egli è anche un’artista dei media digitali e regista a New York. Il suo lavoro è incentrato molto su questioni politiche, di migrazione, di razza e di genere della comunità Latina. Grazie alla sua conoscenza ed esperienza in cinematografia egli riesce a dare al linguaggio forma di satira e umorismo per migliorare la comprensione da parte della comunità latina all'interno delle varie comunità anglosassoni, questo concetto possiamo trovarlo sul lavoro di un falso documentario dal nome "Un giorno senza messicani". Negli ultimi dieci anni, Rivera ha lavorato per far conoscere due realtà parallele, la globalizzazione dell’informazione attraverso internet e la globalizzazione delle famiglie e delle comunità attraverso la migrazione di massa. Rivera, cattura il processo di migrazione e i cambiamenti sociali degli immigrati, al fine di essere considerato un modello di cittadino americano. I suoi film creano un grande impatto sulla comunità Latina per il realismo con cui rappresenta i personaggi. Essi stabiliscono una relazione con il pubblico, e non solo della comunità latina ma di tutti coloro che hanno esperienza da disumanizzazione nei paesi ospitanti. Rivera vuole che i suoi telespettatori capiscano che il "sogno americano, è di cinque minuti nel futuro, in cui c’è un rapporto tra tecnologia e una serie di questioni politiche. Usa la tecnologia per mostrare la disumanizzazione dei migranti e sempre attraverso la tecnologia si impegna di far nascere un senso di umanizzazione. Alex Rivera ha fatto film sul tema del lavoro, immigrazione e la politica del 1990. Alcuni dei suoi lavori sono stati visti come finti documentari e opere che illustrano le lotte transnazionali degli immigrati. Il lavoro di Rivera diffonde, appunto, gli ostacoli degli immigrati in lotta per l'integrazione negli Stati Uniti. I film sollevano interrogativi "sul lavoro degli immigrati come merce mobile e il rapporto di questo bene per l' accumulazione di capitale". Rivera illustra anche come gli immigrati usano il dollaro americano per invertire lo sfruttamento degli Stati Uniti nelle città natale degli immigrati. Tra i suoi film troviamo anche critiche alla politica americana sull'immigrazione disumanizzata degli immigrati per il loro lavoro, e la critica sulla globalizzazione economica neoliberista attraverso esempi futuristici. Il film più importante di Rivera per criticare le politiche statunitensi in materia di immigrazione attraverso esempi futuristici è stato "Sleep Dealer". Rivera dice di usare influenze come" Star Wars "e" El Norte "per esprimere le lotte degli immigrati. In un’ intervista Rivera traccia un parallelo ed esprime gli Stati Uniti come l'Impero Galattico e le vittime delle immigrazione statunitense e le politiche economiche come le Forze Ribelli.

Sleep Dealer, Alex Rivera director

Joan Braderman

Joan Braderman, pluripremiato video artista e scrittore, è stato coinvolto con film e video come sceneggiatore, artista e produttore da oltre 25 anni. Nato a Washington, DC, si è laureato ad Harvard e New York University. Le sue opere sono presenti nelle collezioni permanenti di musei come lo Stedelijk di Amsterdam, il Centre Pompidou di Parigi e il Museum of Modern Art di New York City. Joan ha studiato cinema 16 mm di scuola, poi imparato a sparare e modificare bobina in bianco e nero a bobina-video a New York negli anni '70, la produzione di documentari ad esempio per una BICENTENARIO senza colonie, (20, min 1977) e dei popoli 'CONVENZIONE, South Bronx, (20.min, 1980.) Ha prodotto altro non-fiction come ASPETTANDO L'INVASIONE, cittadini degli Stati Uniti in Nicaragua con Dee Dee Halleck; Skip Blumberg et al (. 28 min 1984) fatto per opporsi alla Reagan-sponsorizzato il supporto per i rivoluzionari del contatore in quel paese in TV pubblica. Ha vinto il Global Award Miglior Documentario Village nel 1984. Dite loro PER NOI; MADRE IN NICARAGUA (28 min 1985, co-prodotto con la CBS camerawoman, Jane Lurie), parla di un gruppo di donne nordamericane incontrare donne in tutto il Nicaragua e la presentazione di un'ambulanza al Calderon Berta Hospital di Managua. Nel 1975, Joan è unito al gruppo che ha fondato l'innovativa rivista, "ERESIE Una pubblicazione femminista su Arte e Politica". Braderman è meglio conosciuto per la sua serie di opere video, che scrive ed esegue - sulle donne, il desiderio e cultura popolare. La prima di queste, NATALIE non sono annegati, JB O legge il National Enquirer (28 min 1983, realizzato con il regista, Manuel De Landa per Paper Tiger TV) inizia con il suo fascino proprio con tabloid come il National Enquirer. In uno stile originale, che ora è stato definito "stand-up teoria", che offre una "una donna, prestazioni pazzo, al tempo stesso incarna e nettamente l'analisi della schizofrenia della cultura degli Stati Uniti." Giovanna la ormai famigerata 'post-graffio' SE DYNASTY (32, min 1986) usa effetti video speciali di inserire la propria critica, il corpo performativo in found footage del popolare prime 80 ora soap opera, esilarante infilza i piaceri del campo dello spettacolo e del suo insidioso subtext: l'avidità, la ricchezza di petrolio e l'ipocrisia di Reagan stile America. JDD è stato incluso nel 1987 Whitney Bienniel Exhibition ed è stato chiamato 'il video più diffuso femminista mai fatto.' NO RAGAZZE PIU NICE (44. min 1989), un lavoro più personale che unisce finzione script, autobiografia, e collage, parla a una generazione di "femministe invecchiamento dall'inferno" armati di storie forti e le amicizie, ma di fronte al gioco vizioso della Nuova Destra. Si esibisce di nuovo nel secondo posto RIESAMINATO TRENTA (11 min 1989), che mette una bugia l'idea che solo "liberi" mercati regolano la libertà di espressione negli Stati Uniti. Ha preso Choice Award della Critica al festival di New England. JOAN VEDE STELLE, (59 min, 1992) co-diretto con Dana Maestro, esplora la cultura della celebrità e Braderman amore-odio con Hollywood. Esecuzione a letto, dove aveva subito una malattia a lungo termine, lei e caro amico, il regista, Leland Moss, programmati festival del cinema diva sul proprio videoregistratore mentre stava sull'altra costa, morendo di AIDS . JSS in anteprima al National Film Theater di Londra, il New York Film Festival negli Stati Uniti Joan ricevuto una retrospettiva al Museo De Cordova nel 1994 e il presidente Koopman in Arti Visive presso la Scuola d'arte Hartford nel 1996, dove ha creato il suo primo . pezzo installazione Quindi, "A Tribute to Joan Braderman" è stato presentato al Festival del Cinema di Northampton, nel novembre 1996 le sue borse sono premi da:. del National Endowment for the Arts, The New York e dei Consigli di Stato del Massachusetts per le Arti, The American Film Institute, The New York Foundation for the Arts, la Fondazione Girolamo, la Fondazione MacArthur, et al. scrittura di e su Braderman è apparso in tali riviste e libri come The Village Voice, The Independent, Time Out, Afterimage, e The Guardian di Londra, Contemporanea e Luminarie,. An Essential Guide to Video Arte di recente Joan lavorato con Crescent Diamond (Producer on the progetto in corso) per rendere PARA NO olvidar (6 min 2004) immagini video digitali di un collage delle strade dell'Avana Vecchia per l'uso sul sito web di The Office dello storico della Città dell'Avana. Ha insegnato presso la School of Visual Arts, The Boston Museum School, The London Institute, e alla Universidade Catolica Portuguesa quando è stata assegnata la cattedra Fulbright Distinguished in Video nel 2002. Joan ama nuotare, ballare, cantare e uscire con i suoi gattini, Ocho e Cava, la adorava gli amici, il suo innamorato, Bob, e il suo giovane, 90 anni, padre.

Pina Bausch

Philippine Bausch detta Pina (Solingen, 27 luglio 1940-Wuppertal, 30 giugno 2009) è stata una coreografa e ballerina tedesca.

Tra le più importanti e note coreografe mondiali, la Bausch ha diretto dal 1973 il Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, con sede a Wuppertal, in Germania. Il suo nome è legato al termine Tanztheater (teatro-danza), adottato negli anni '70 da alcuni coreografi tedeschi - tra cui la stessa Bausch - per indicare un preciso progetto artistico che intende differenziarsi dal balletto e dalla danza moderna, che include elementi recitativi, come l'uso del gesto teatrale e della parola, con precise finalità drammaturgiche.

Inizia la carriera artistica da adolescente, esibendosi in piccoli ruoli di attrice nel teatro di Solingen, la città nativa. In seguito si trasferisce a New York, grazie ad una borsa di studio. Perfeziona la sua tecnica alla "Juillard School of Music". Successivamente viene scritturata, come ballerina, dal New American Ballet e dal Metropolitan Opera.

Nel 1962, dopo il rientro in Germania, che la vede impegnata ancora come danzatrice, Pina Bausch inizia nel 1968 a comporre le prime coreografie per il corpo di ballo della sua prima scuola, la Folkwang Hochschule di Essen fondata da Kurt Jooss, che dirigerà dall'anno successivo.

Nel 1973 fonda il Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, cambiando nome al già esistente corpo di ballo di Wuppertal. I suoi spettacoli riscuotono fin da principio un indiscusso successo, accumulando riconoscimenti in tutto il mondo. I primi lavori sono ispirati a capolavori artistici, letterari e teatrali, come ad esempio Le sacre du printemps del 1975. Con Cafè Muller (1978), uno dei suoi spettacoli più celebri, composto sulle musiche di Henry Purcell, si assiste ad una svolta decisiva nello stile e nei contenuti. Mentre le prime opere sono animate da una dura critica alla società consumistica e ai suoi valori, le opere più mature approfondiscono sia il contrasto uomo-società, sia la visione intima della coreografa e dei suoi danzatori, che sono chiamati direttamente ad esprimere le proprie personali interpretazioni dei sentimenti.

Thomas Block Rubnitz

Thomas  Block Rubnitz  nacque nel  1956 a Chicago, Illinois.

Tom è stato un video-artista, le sue videocassette erano principalmente ispirate alla cultura pop e spettacoli in stile Las Vegas. Un certo numero di sue opere presentano RuPaul ed i membri del B-52.

Nel  1987 produsse il Wigstock documentary ; un film sul festival  annuale di drag queen. Nel 1991 in collaborazione con Tom Koken e Barbara Lipp, produsse “ The Mother Show” ; un omaggio alle madri in tutto il mondo. Frieda, la bambola "vivente" chiede alla madre una serie di domande, come "Mamma, ci sono giorni in cui ti senti in forma e non ti senti madre?”.

Enuncia quindi al significato della parola, Il nastro si conclude con il suo accattivante pronunciamento: "Mamma, sei come una madre per me. Altre sue  opere sono:  "Shortcut Strawberry" e il famigerato "Pickle Surprise". Quest’ultimo è un perfetto esempio della  malvagia  visione del  mondo, di abitanti affetti di demenza dopo l’assunzione di un paio di cocktail e fumo presso il Pyramid Club.

Tom ha vissuto a Manhattan con il suo socio Curtis Irwin e i loro due gatti persiani. Morì  nello Sloan-

Kettering  Cancer  Center  Memorial  di una malattia correlata all'AIDS nell'agosto del 1992 all'età di 36 anni.

Luigi Urso (UR5O)

Ur5o, classe 1970, vive e lavora a Napoli. 

Dopo gli studi artistici e di architettura intraprende l'attività come libero professionista nel campo della grafica pubblicitaria con particolare interesse per l'editoria. All'insegna dell'eclettismo più sfrenato, architettura, design, fotografia, grafica, regia, con un occhio di riguardo per chi vive qualsiasi forma di disagio, Ur5o, al secolo Luigi Urso, esplora, con ogni mezzo e in ogni campo, i concetti di censura e di sostenibilità, concepiti come entità antipolari o complementari. Il suo stesso pseudonimo deriva dall’operazione di censura per sostituzione, la più potente forma di censura, cui ha sottoposto il cognome. Il suo lavoro denuncia un forte radicamento nel contesto partenopeo e rimanda ad una dimensione di profonda immersione nella crudezza del reale.

Mostre: Opening 0. 1 – Sarajevo Supermarket, Nocera Inferiore, 2011; Premio Celeste 2011, VIII Edizione, Bologna, 2011; Contestazioni, a cura di Raffaella Barbato, Rotonda Via Panoramica, Terzigno (NA), 2011; La fabbrica del senso, a cura di Francesca Guerisoli e Stefano Taccone, Spaziocorale – Arci Bellezza, Milano, 2011; Artisti per la salute, Derbylius, Milano, 2010; Nascor. Fra arte e natura, Fondazione Noesi, Martina Franca (TA), 2009; Dove sei? La visibilità come borderline esistenziale, a cura di Carlo Baghetti, Picagallery, Napoli, 2009; Acqua, aria, terra, fuoco, amore, odio, vita, morte, a cura di Stefano Taccone, Numen Art Gallery, Benevento, 2009; Emergency room, Pan, Napoli, 2009; I Cortili dell'Arte 2009, Centro storico, Villaricca (NA), 2009; Comincia adesso!, a cura di Stefano Taccone, Ventre, Napoli, 2009; Incontri di frontiera, a cura di Pina Capobianco e Stefano Taccone, Centro Hurtado, Napoli, 2009; Effetto personale – Teatro minimo, a cura di Stefania Russo e Stefano Taccone, Teatro Instabile, Napoli, 2008; Discorso sul silenzio – Corrispondenze di frontiera, a cura di Pina Capobianco e Stefano Taccone, Centro Hurtado, Napoli, 2008; Cow Parade 2008, Capri (NA), 2008; Europa presente – identità, differenza, relazione, a cura di Stefano Taccone, Chiesa di Santa Maria Incoronata, Napoli, 2008; La sete nel mondo, a cura di Lara Caccia, Villaggio Mancuso – Parco Nazionale della Sila piccola, Taverna (CZ), 2007; La tavolozza imbandita, Istituto Grenoble, Napoli, 2007; Visione Sociale, a cura di Stefano Taccone, Casina pompeiana – Villa Comunale, Napoli, 2006; Dalla Patafisica all'Apatafisica, a cura di Andrea Alberti e Tania Lorandi, Sala SS Filippo e Giacomo, Brescia, 2005; Serata Patafisica, a cura di Mario Persico ed Eleonora Puntillo, Istituto Grenoble, Napoli, 2004; Ora-column, a cura di Giacomo Faiella, Museo Archeologico Nazionale, Napoli, 2003.

Isaac Julien

Isaac Julien è  un'artista che privilegia le installazioni e la regia; è nato nel 1960 a Londra, dove attualmente vive e lavora.
Uno degli obiettivi del lavoro di Julien è quello di abbattere le barriere che esistono tra le diverse discipline artistiche, attingendo da cinema, danza, fotografia, musica, teatro, pittura e scultura,e unendo queste per costruire una narrazione fortemente visiva.
Molti suoi lavori si riferiscono alla sua esperienza diretta di nero e gay o, in generale al tema dell'identità, comprese le questioni di classe, la sessualità, la storia artistica e culturale.
Dopo il diploma alla St Martin' s School of Art nel 1984, dove ha studiato pittura e cinema, fonda la Sankofa Film and Video Collective (1983-1992), ed è uno dei membri fondatori del Normal films nel 1991.
Julien è stato nominato per il Turner Prize nel 2001 per i suoi film The Long Road to Mazatlán (1999), realizzato in collaborazione con Javier de Frutos e Vagabondia (2000), in collaborazione con Javier de Frutos.
Lavori precedenti includono Frantz Fanon: Black Skin, White Mask (1996), Young Soul Rebels (1991) che ha ottenuto dalla Semaine de la Critique il Premio come miglior Film al Festival di Cannes dello stesso anno, e l'acclamato documentario poetico  Looking for  Langston, con cui è venuto alla ribalta nel mondo del cinema nel 1989.
Julien è stato il vincitore sia del prestigioso Premio MIT Eugene McDermott nelle Arti (2001) che del Lifetime Achievement Award Frameline (2002).
Il suo lavoro Omeros Paradise è stato presentato come parte di Documenta XI a Kassel (2002).
Nel 2003 ha vinto il Gran Premio della Giuria alla Biennale Kunstfilm a Colonia per la sua versione in singola schermata di Baltimora e,nel 2005, l' Aurora Award.
Più di recente, ha avuto mostre personali al Centre Pompidou di Parigi (2005), MoCA Miami (2005 ) e la Kerstner Gesellschaft, Hannover (2006).
L'artista è anche un regista di documentari - il suo lavoro in questo genere comprende BaadAsssss Cinema , un film sulla storia e l'influenza della blaxploitation nel cinema.
Isaac Julien è stato professore a contratto presso la Harvard University di Studi Ambientali Visivi e afro-americani  ed è attualmente visiting professor presso il Whitney Museum of American Arts.
É stato anche un ricercatore presso il Goldsmiths College, Università di Londra ed è un amministratore fiduciario della Serpentine Gallery. Nel settembre del 2009 è diventato professore presso l' Università di Karlsruhe di Arti e Design.  
Julien è rappresentato nel Museum of Modern Art, New York, Fundación Helga de Alvear, la Tate Modern, Centre Pompidou, Guggenheim, Albright-Knox, Goetz Collection, Collezione Brandhorst, LUMA Foundation e la Collezione Hirshhorn.