Hans Breder

Biography
The Intermedia Program in the School of Art and Art History at the University of Iowa was created by Hans Breder in 1968 and directed by him until 2000. From its inception, the Intermedia Program coalesced around several concepts. But to understand the program, the first of its kind to grant the MFA, one must understand Breder as "auteur."

Breder, trained as a painter in Hamburg, Germany found early success in New York City with his constructivist aligned sculptures. Lured to The University of Iowa's School of Art and Art History in 1966, Breder first conceived of the Intermedia Program as an arena in which he and his students could explore, in theory and in practice, the liminal spaces between the arts: art, music, film, dance, theater, poetry. Aware that he was making art in an intellectual environment, Breder in the second and third decade of the Intermedia Program extended his collaborative reach to the liberal arts: comparative literature, anthropology, psychology, communication studies. The exploration of liminal space and a collaborative approach to aesthetic theory and practice were essential to Breder?s conception of Intermedia, efforts to utilize the diverse artistic and intellectual community in Iowa City. Also key to his notion of Intermedia was the recognition that to develop the experimental arts in an entirely rural environment, an active visiting artists program was necessary. One of Breder's first visiting artist was Robert Wilson, who developed Deafman Glance in Iowa City in 1970. Breder's European sensibility ensured an internationalist perspective both in the visiting artist program and the curriculum in general.

For over three decades, the Intermedia Program at The University of Iowa offered courses which explored liminal spaces, boundaries between artistic and scholarly practices, between media, between genres, between social and political universes, between viewer and artist. During this time, students of the program interacted with a diverse roster of visiting artists, and traveled with Breder to Mexico, Italy, The Netherlands, Germany, creating time-based works, performances, rituals, events, site-specific installations, etc., a dynamic environment in which process was always emphasized over product.

Over the last thirty years Breder has worked with distinction in and between a number of media: painting, sculpture, photography, performance, video and electro-acoustic media: his media work, for example, was included in the Whitney Biennials in 1987,1989, and 1991; " '68 - Kunst und Kultur," Bauhaus Dessau, Dessau, Germany; The First Group Exhibition of American Art in Moscow, 1989; The 3rd Fukui International Video Biennale, Japan, 1989; 2nd Videonale, Bonn, Germany, 1986; International Architecture Exhibition, Technische Universität, Berlin, Germany, 1884; The Kitchen, Center for Video And Music, New York, New York,1975; "Kineticism: System Sculpture in Environmental Situations" (Cultural Olympiad), Museo Universitario de Ciencias y Arte, Mexico City, 1968; Collections include Cleveland Museum, Cleveland, Ohio; Hirshhorn Museum and Sculpture Graden, Washington, D.C.; The Museum of Modern Art, New York, New York; The Whitney Museum of American Art, New York, New York. His work is represented by the Mitchell Algus, New York and Hachmeister Gallerie, Muenster, Germany.

1935born in Herford, Germany

1960-64Study of Painting with Willem Grimm, Hochschule für Bildende Künste, Hamburg, Germany

1965Apprentice to the sculptor George Rickey, West Lebanon, New York

1968founded Intermedia and Video Art Program, School of Art and Art History, The University of Iowa, Iowa City, Iowa

Emeritus F. Wendell Miller Distinguished Professor of Art, School of Art and Art History, The University of Iowa, Iowa City, Iowa

Exhibitions (selected)

1965International Artists' Seminar, Fairleigh Dickinson University, New Jersey

Riverside Museum, New York

1966American Painting and Sculpture, Midland Group Gallery, Nottingham, Great Britain

As Found, Institute of Contemporary Art, Boston

Plastica Galeria de Arte, Buenos Aires, Argentina

1967Richard Feigen Gallery, New York (one-artist exhibition)

Richard Feigen Gallery, Chicago (one-artist exhibition)

Exhibition of Recent Acquisitions, The Whitney Museum of American Art, New York

1968Kineticism: System Sculpture in Environmental Situations (Cultural Olympiad), Museo Universitario de Ciencias y Arte, Mexico City

Directions 1: Options, Museum of Contemporary Art, Chicago, Illinois

1969Superlimited: Books, Boxes and Things, The Jewish Museum, New York

Big New Works, Richard Feigen Gallery, New York

Affect/Effect, La Jolla Museum of Art, La Jolla, California

1970Richard Feigen Gallery, New York (one-artist exhibition)

Richard Feigen Gallery, Chicago (one-artist exhibition)

1972Galerie Marcel Liatowisch, Basle, Switzerland (one-artist exhibition)

Hybrids, Max Hutchinson Gallery, New York

1975Video and Film Works 1971-1975, The Kitchen, Center for Video and Music, New York

1977Signals, The Museum of Modern Art, New York

1979Wolfgang Förster Galerie, Muenster, Germany (one-artist exhibition)

1980Plakat Aktion, Gestaltreform M. Schuhl KG, Frankfurt, Germany

Video Sculpture, First Intermedia Festival, New York

1981Hachmeister & Schnake Galerie, Muenster, Germany (one-artist exhibition)

1983The Institute for Art and Urban Resources, Inc., P.S.1, Long Island City, New York

1984Anti-City, International Architecture Exhibition, Technische Universität Berlin, Germany

Portraits of the Urban Poor, Oacaca, Mexico; Anthology Film Archives, New York; The Museum of Modern Art, New York

Video Works 1982-84, Time Based Arts, Amsterdam, The Netherlands

1986My TV Dictionary, 2^nd Videonale, Bonn, Germany

Ursonate 1986, Video and Language: Video as Language, Los Angeles Contemporary Exhibitions, Los Angeles, California

1987My TV Dictionary, Whitney Biennial Exhibition, Whitney Museum of American Art, New York

Terrorising the Code - Recent US Video, The Australian Centre for Photography, Sydney

The Fine Arts Center Art Gallery, State University of New York at Stony Brook, New York (one-artist exhibition)

Schreiber/Cutler, Inc., New York (one-artist exhibition)

1988Hachmeister Galerie, Muenster, Germany (one-artist exhibition)

1989Painting Beyond the Death of Painting: Imaginistic and Abstract Work, First Group Exhibition of American Art

in the Soviet Union, Kuznetzky Most Exhibition Hall, Moscow

Under a Malicious Sky, Whitney Biennial Exhibition, Whitney Museum of American Art, New York;

The 3^rd Fukui International Video Biennale, Japan

Schreiber/Cutler, Inc., New York (one-artist exhibition)

1990Ruth Siegel Gallery, New York (one-artist exhibition)

1991From Here and There Too: Moscow Postcards 1989, Whitney Biennial Exhibition, Whitney Museum of American Art, New York

Hachmeister Galerie, Muenster, Germany (one-artist exhibition)

1993Penine Hart Gallery, New York (one-artist exhibition)

'68 - Kunst und Kultur, Bauhaus Dessau, Dessau, Germany

1995Hachmeister Galerie, Muenster, Germany (one-artist exhibition)

1996Billboards for Democracy, Hunter College of the City University of New York, New York

1997Short Cuts: Anschlüsse an den Körper, Deutsche Arbeitsschutzausstellung, Dortmund, Germany

1998Point of Reference, The International Association for Philosophy and Literature, UC Irvine, California

1999The Nazi-Loop, Contact Zones: The Art of the CD-ROM, Centro de la Imagen, Mexico City; Dallas Video Festival 1999;

Virginia Film Festival, Charlottesville, Virginia

Hachmeister Galerie, Muenster, Germany (one-artist exhibition)

2000Body/Sculpture, The Armory Show 2000, The International Fair of New York, New York

Mass in A-Minor for Suitcases, St. Petri Kirche, Dortmund, Germany

2001Mitchell Algus Gallery, New York (one-artist exhibition)

2002Body/Sculpture, The Armory Show 2002, The International Fair of New York, New York

Enacting the Liminal: Intermedia/Works 1964-2002, The University of Iowa, Museum of Art, Iowa City, Iowa (one-artist exhibition)

Bibliography (selected)

1967Lil Picard, Four Directions, in: Das Kunstwerk, February

1968George Rickey, Constructivist-Origins and Evolution, New York: George Braziller

Jack Burnham, Beyond Modern Sculpture, New York: George Braziller

Lawrence Alloway, Interfaces and Options-Participatory Art in Milwaukee and Chicago, in: Arts Magazine, September

1970Rolf-Gunter Dienst, Deutsche Kunst: Eine Neue Generation, Cologne, Germany: M. DuMont

1973Michael Kirby, Hybrids, in: The Drama Review, June

Gregory Battcock, Explorations in Video, in: Art and Artists, February

1974Norman Laliberte and Alex Mogelon, Art in Boxes, New York: Van Nostrand Reinhold

1979Hans Breder and Stephen Foster, Intermedia, The University of Iowa, Iowa City, Iowa

David Mover, Through the Looking Glass and What the Artist Found There, in: Art International, September

1983Ann-Sargent Wooster, Portrait of Rosa, in: Afterimage, January

1985Stephen Foster and Estera Milman, The Media as Medium: Hans Breder's Berlin Work, in: Kansas Quarterly, Vol. 17, No. 3

1987Helen A. Harrison, Diagrammatic Drawings Explore Duality of Nature, in: The New York Times, February 22

1988Herman Rapaport, Hans Breder and the Auras of Video, in: Art Criticism, Vol. 4, No. 1

Hans Breder, Ana Mendieta: Imprints/Student Years 1972-1977, in: Sulfur, Vol. 22, Eastern Michigan University, Ypsillanti

Donald Kuspit, New York Reviews, in: Artforum, May

Gerrit Henry, Review of Exhibitions, in: Art in America, January

1990Lucio Pozzi, Letter from New York, in: II Giornale Dell'Arte, No. 74, January

1992Heiner Hachmeister (ed.), Hans Breder - Threshold States/Sprach-Schwellen, texts by Heiner Hachmeister, Stephen Foster,

Herman Rapaport, Donald Kuspit, Lucio Pozzi, Allen F. Roberts, Antonio R. Damasio, Muenster, Germany: Hachmeister Verlag

1995Hans Breder and Herman Rapaport, The Luminous Object: Video Art/Video Theory, in: Visible Language 29.2,

Rhode Island School of Design

Hans Breder, Intermedia: Enacting the Liminal, in: Performance Arts Journal, Vol. XVII, No. 2/3, The Johns Hopkins University Press

1999Marlena G. Corcoran, Skin Forms on Paint over Time: in the Work of Hans Breder, in: Art Criticism, Vol. 14, No. 1

Heiner Hachmeister (ed.), Hans Breder - New Paintings/Neue Bilder, text by Garrett Stewart, Muenster, Germany: Hachmeister Verlag

2001Walter Robinson, Hans Breder, Body/Sculpture 1965-73 at Mitchell Algus Gallery, Weekend Update, Artnet.Com

2002Heiner Hachmeister (ed.), Hans Breder - Works/Arbeiten 1964-2000, essay by Donald Kuspit, Muenster, Germany: Hachmeister Verlag  

contact:

Office: 

Campus phone: (319) 335-1771

Email: hans-breder@uiowa.edu

Hartmut Bitomsky

Hartmut Bitomsky (10 maggio 1942 a Brema) è uno scrittore e saggista, regista e produttore. Ha ricevuto la sua formazione presso la Libera Università di Berlino, dove 1962-1966 ha studiato filologia tedesca e Teatro. Ha completato i suoi studi presso l'Accademia del Cinema di Berlino nel 1968.

Per più di dieci anni, a partire dal 1973, è stato co-editore della famosa rivista tedesca Filmkritik. Ha scritto libri e articoli sulla teoria del cinema e la storia del cinema, compreso The Kind of Red of Technicolor (1972) e Cinema Truth (2002). Nel 1972 ha curato e scritto l'introduzione alla Béla Balázs, The Spirit of Film e nel 1975 curato la traduzione tedesca di André Bazin Che cosa è il cinema?

Nel 1975 ha fondato la sua compagnia di produzione cinematografica, Film Big Sky, che ha prodotto la maggior parte dei suoi progetti. Fino ad oggi Bitomsky ha diretto e in qualche misura anche prodotto più di quaranta film, soprattutto documentari. Il suo lavoro è stato esposto al festival di Amsterdam, Berlino, Edimburgo, Hong Kong, Leningrado, Londra, Marsiglia, Melbourne, Montreal, Los Angeles, New Delhi, Rotterdam, Seoul, Singapore, Tokyo, Venezia e Vienna, tra molti altri città.

Tra i premi che ha vinto è l'acclamato "Grimme Award in Gold" per la Reichsautobahn film: Autostrade del Terzo Reich. Il suo lavoro è stato premiato nel 2000 dalla retrospettiva "A Tribute to Hartmut Bitomsky" al Festival Internazionale del Cinema di Vienna.

Dal 1975 ha insegnato alla Hochschule für Fernsehen und Film, München, presso la Libera Università di Berlino, e alla Film Academy di Berlino. Nel 1993 si trasferisce a Los Angeles e servita presso il California Institute of the Arts, Preside della School of Film / Video fino al 2002.

Ha tenuto corsi di regia, produzione di documentari e altri argomenti correlati. Dal 2006, Hartmut Bitomsky ha diretto la Deutsche Film-und Fernsehakademie Berlin (DFFB).

B-52, il suo lungometraggio documentario sul bombardiere B-52, girato negli Stati Uniti, in Germania e Vietnam, ha debuttato nel febbraio 2001 al Festival di Berlino. Il film ha avuto distribuzione nelle sale in Germania, Giappone e Stati Uniti ed è stato proiettato in tutto il mondo.

Hartmut Bitomsky è un membro del tedesco-americano Film Society e membro della Fondazione Rockefeller.

Nel 2009 ha l'occasione di lavorare con un altro regista di documentari, Christoph Heller con Mein Vater. Mein Onkel, candidato l'anno stesso alla International Documentary Film.

- Sinan visita la sua famiglia biologica irachena per la prima volta dopo essere cresciuto in Germania e non mostrando alcun interesse verso di loro per anni. La sua riluttanza nel scoprire le tradizioni arabe si dissolve appena egli si accinge a conoscere finalmente suo padre.

Icarus Films è orgogliosa di distribuire più recente Hartmut Bitomsky del lungometraggio documentario:

Dust (Staub) - Attiva uno dei temi più banali che si possano immaginare in un veicolo per un nuovo apprezzamento di come queste minuscole particelle influenzano il nostro corpo e il nostro ambiente e in grado di fornire una nuova prospettiva del mondo intero.

Pier Paolo Patti

A partire dal 1998, Pier Paolo Patti presenta le sue opere di pittura e videoinstallazione in esposizioni personali e collettive su tutto il territorio nazionale, prendendo parte inoltre, a numerosi festival di video e di arti elettroniche. Negli anni, tra sperimentazione e ricerca di nuovi linguaggi, affronta produzioni di videoclip musicali, video-fondali per performance, animazioni e videoinstallazioni, collaborando con musicisti come Retina.it, Baba Sissoko, Maurizio Capone, Almamegretta e Marco Messina.Nel 2002, in occasione della realizzazione del cortometraggio Insògno, crea insieme a Stefano Cormino il marchio di produzione Mastofabbro, specializzato in opere video indipendenti.Nel 2005 il video Compianto è il 1° classificato a Fair Play, concorso di videoarte (giuria presieduta da Massimo Bignardi), tenutosi a Salerno, dedicato alle nuove realtà artistiche campane.

In seguito partecipa a Stanze di guerra, videoperformance di Riccardo Mannelli e Remo Remotti, cercando eutopie insieme al tecnoartista Giacomo Verde e con Vite3 da vita a diversi progetti di ricerca linguistica on stage collaborando assiduamente con l' artista Emiliano Campagnola; tutte occasioni fertili per esplorare il mondo del video-teatro e del vjing. Attualmente la sua ricerca è rivolta soprattutto a videoinstallazioni e video d' arte con i quali partecipa ad importanti concorsi e mostre in tutta Italia.

Un’evoluzione lunga dieci anni, che ha portato l’artista campano ad indagare le diverse forme di violazione, abuso e sopraffazione inflitte all’individuo dalle società contemporanee.

Alcune delle sue opere più importanti:

Regia, riprese e montaggio: INSOGNO, DV, 17’, cortometraggio di fantascienza. Presentato a Milano Film Festival (2003) - Milano, Magma-Mostra di Cinema Breve (2003) - Catania, Fano International Film Festival (2003) - Fano, Fujiyama vs Vesuvio (2005) - Ercolano.

Regia, riprese e montaggio: ECCO L’ APRILE, documentario 12’, miniDV, presentato all’Accademia di Belle Arti di Napoli, in accompagnamento alla video-installazione di Ciro Vitale: EVOLUZIONI. A cura di Marco di Capua e Valerio Rivosecchi.

Regia, sceneggiatura, montaggio: MONSIEUR PAUL, 4’, videoclip musicale realizato per la band El-ghor, primo premio al festival internazionale Epizephiry, In onda su All Music, sezione Indiependenti, Fastweb on Tv, One minue Tv, Yks channel.

Emily Breer

Emily Breer è una film-maker statunitense figlia del noto regista Robert Breer.

I suoi lavori, caratterizzati per lo più da collage di live-action e illustrazioni animate, divertenti,ironiche e provocatorie, vantano della collaborazione di molti performer e videoartisti. Hanno vinto numerosi premi e sono stati inclusi in diverse collezioni museali nonché  presentati a vari festival e rassegne a livello internazionale.Tra i più recenti c'è" The Tutor "(2007). 

Il protagonista del corto, interpretato dal performer Joe Gibbons, è il Dr. Joe Baldwin, esperto di educazione infantile alla prese con la piccola Zoe. Egli porta ad ogni lezione un assortimento di libri educativi modificati, giochi e giocattoli: queste sessioni, insieme a monologhi che analizzano il suo sviluppo, sono registrati nella speranza di dimostrare che geni non si nasce ma si diventa, il genio "va fatto". Ciò che risulta evidente è che il fuorviante tentativo di ogni uomo di manipolare l'altro mina la resistenza che ogni bambino esuberante ha ad essere controllato.

Emily Breer dichiara: "Quando ero incinta ho visto un mondo impazzito di offerte educative intensive finalizzate all'educazione del feto: dalle audiocassette Baby Einstein fino a  Embryonics".

Il personaggio di Gibson fonde il disperato bisogno di affermarsi  nella vita e il non riuscirsi. "The Tutor" è la celebrazione della formazione autonoma del bambino e ridicolizza i genitori competitivi, i metodi educativi sbagliati e i testing sistematizzati, mettendo in evidenza anche una certa vulnerabilità dei giovani verso il condizionamento sociale. La sua produzione artistica comprende inoltre:

- Fluke (1985)

- Superhero (1995)

- The Horror (1997)

- Caddy (1997)

- Pool boy (1997)

- Kafka's Bugaboo (1999)

- Moby Richard (1999)

Sito ufficiale: www.emilybreer.net

Barry Doupè

Barry Doupé, è nato in Canada nel 1982. I suoi lavori si basano principalmente sulla computer animation. Si è laureato presso l'Emily Carr University nel 2004 specializzandosi in animazione. Nei suoi film utilizza un linguaggio e delle immagini che derivano dal subconscio, sviluppati attraverso esercizi di scrittura e di disegno automatico. Egli spesso crea ambienti in cui i suoi personaggi sono in contrastato tra loro, alternando spettacoli comici a violenti e poetici. I suoi film sono stati proiettati in tutto il Canada, e a livello internazionale, alla Ann Arbor Film Festival, International Film Festival Rotterdam, Anthology Film Archives, Lyon Museo di Arte Contemporanea, Pleasure Dome, MOCCA, Whitechapel Gallery e la Tate Modern.

Christopher Bratton

Christopher Bratton è un educatore americano, amministratore e presidente della School of the Museum of Fine Arts di Boston e vice direttore del Museum of Fine Arts di Boston.

Prima di ricoprire questi incarichi Chris è stato il Preside della School of the Art Institute of Chicago (2002-03) ed è stato presidente del Film, Video e New Media Department presso la stessa scuola. Ha ricevuto il suo M.F.A. in cinema alla University of Wisconsin-Milwaukee nel 1994 e ha partecipato al Whitney Independent Study Program a New York dal 1984 al 1986.

Ha ricevuto il suo B.F.A. presso il College of Art di Atlanta nel 1982. Dal 1991al 1992 è stato visiting professor presso la Brown University, e nel 1990 docente ospite sia alla School of the Art Institute di Chicago sia alla School of Visual Arts a New York. Egli è il destinatario di sovvenzioni da pare della Roderick J.MacArthur Foundation, National Endowment for the Arts, e il Wexner Centro per l'Arte Contemporanea.

Chris è un co-fondatore di Machete Video Chicago, una comunità di giovani artisti basata sull’organizzazione di progetti artistici e multimediali riguardo i temi della gioventù, i media e la tecnologia. Come artista e videografo, il suo lavoro è stato esposto al New Museum of Contemporary Art, New York, al Wexner Center for the Arts, Columbus, Ohio, The Museum of Modern Art, New York, al Maryland Institute College of Art, Baltimore, Maryland, al Franklin Furnace, New York al post scriptum 122, New York, e al Public Broadcasting System(PBS).

Carole Ann Klonarides

Carole Ann Klonarides è nata a Washington DC nel 1951.

Dal 1969 al 1973 ha studiato presso la Virginia Commonwealth University, ottenendo il BFA (il Bachelor of Fine Arts, cioè il grado standard di laurea per gli studenti negli Stati Uniti e in Canada che cercano una formazione professionale nelle arti visive e nel performing). Ha affidato la sua formazione anche al Whitney Museum Independent Study Program (dal 1971 al 1973). Successivamente ha conseguito un Master in Studi Multimediali presso la New School for Social Research, a New York. Al 1984 risale il suo lavoro dal titolo Arcade, realizzato in collaborazione con un'altra artista, Lyn Blumenthal, e che consiste in un video della durata di 9:35 min.

“Esso comprende una serie di immagini riciclate dalla televisione e da film, intervallate da filmati registrati nella Chicago El Stations e alternate con dipinti creati da Paschke su uno sfondo fatto con colori computerizzati. Le intuizioni e le luci lampeggianti, le immagini ready-made presentano uno spettacolo secondario delle attuali ansie che giocano sulla deviazione tra la televisione e la realtà.” (Judith Russi Kirshner, "The Science of Fiction/The Fiction of Science, Video Data Bank", Artforum International 23 - Dicembre 1984)

Dal 1991 al 1995 è stata curatrice d'Arte Multimediale al Long Beach Museum of Art, mentre dal 1997 al 2000 si è occupata della programmazione del Santa Monica Museum of Art.

Dall'inverno 2006 al marzo 2008 è stata consulente presso il Getty Research Institute lavorando con il Long Beach Museum of Art Video Collection il quale era stato acquisito dal Getty.

La sua intera carriera si basa sul sostegno delle Arti Elettroniche, materia che attualmente insegna all'UCLA (University of California - Los Angeles ). Esercita anche la carriera di curatrice indipendente d'Arte Contemporanea e dei Media ed è scrittrice d’arte.

Lyn Blumenthal

Lyn Blumenthal,  di aspetto affabile, pieno di intelligenza e benevolenza, unito ad un sorriso naturale, misto ad allegria e interamente libero dalle ristrettezze di un comportamento affettato e serio, nasce a Chicago nel 1976. Ricevuta una laurea presso la "School of the Art Institute" di Chicago, si trasferisce a New York e le basteranno pochi anni per capire che la sua strada da intraprendere sarà:  la carriera da video artista. La sua scultura all'inizio è caratterizzata da disegni, da  installazioni e da video che possono essere visti come esempi frammentari, intrecciati e progressivi di un processo che man mano le ha permesso di crescere  nella costruzione delle sue videocassette mettendo in analisi la politica del femminismo e di tutti i suoi ideali. Lyn Blumenthal, per tutta la sua vita, è stata interessata e ha lavorato contemporaneamente su molte idee, dalle quali sono emerse: la necessità di sviluppare una significativa espressione personale come artista che lavora in video , quella  di contribuire alla comprensione e analisi delle questioni culturali, politiche e  infine quella dell’arte, in cui i video e media giocano un ruolo importante. Riceve un “Master of Fine Arts” nel 1976 dalla “School of the Art Institute” di Chicago e nello stesso anno fonda con il suo compagno, Kate Hornsfield, la scuola di “Video Data bank” contenente una sala proiezione e un centro studi per videocassette sull'arte contemporanea.  I riconoscimenti per l’ottimo lavoro svolto da Blumenthal, non si fecero attendere basti pensare che ottenne l’attestato nazionale per le sue opere video, che sono state mostrate al all'American Film Institute, al Festival Video Nazionale, al celebre Biennale Festival di Berlino e ultimo non per importanza,  all'Istituto per l'Arte Contemporanea di Boston.

Poco prima della sua morte aveva completato "Che cosa vuole?": una serie di sei filmati video lungometraggi d'arte di vari artisti incentrati sulle questioni femminili. Diventerà famosa come consulente di organizzazioni artistiche alternative, e come relatrice e consulente di agenzie che includono il “National Endowment for the Arts”. Le sue opere sono state esposte al Whitney Museum of American Art, il Museo d'Arte Moderna e altrove in questo Paese e in Europa.

La sfavillante e creativa donna di Chicago si spense improvvisamente nell’afoso 25 luglio 1988  alla sola età di 39 anni.

German Bobe

Bobe è un nome associato inevitabilmente con la storia del video in Cile. È stato il primo regista che ha sistematicamente sviluppato la carica di "direttore musicale" all'intero genere  nei cambiamenti e le innovazioni introdotte, e molti dei suoi pezzi sono veri e propri classici della produzione audiovisiva cilena. È impossibile parlare di musica in Cile senza una sezione speciale dedicata al lavoro di Bobe.È iniziato come un gioco, strettamente legato ai Los Tres gruppo. German Bobe ha vissuto in: Argentina, Stati Uniti, Francia, Italia e Libia e ha studiato fotografia e film; iniziò a sviluppare il gruppo di video Fiticio Mermaids felice dove erano coinvolti Alvaro Henríquez, Javiera Parra e Candy Dubois e altri. Da lì a fare le clip del primo album era del 1991 “Tre di un passo”: ha fatto tre video musicali quasi in contemporanea (He barrido el sol, Amor violento,  Pájaros de fuego), con il trucco accurato, editing e scrittura, ma con poche risorse. German Bobe è stato definito come: "L’enfant terrible" dell'arte cilena, un modo adatto per fare riferimento a un creatore che attraversa senza ostacoli i confini di aree come: musei,  gallerie d'arte,  il mondo dei video musicali e sperimentazione. Nelle sue opere, German Bobe mescola media come video, fotografia e pittura. Ha poi lavorato con altre band e nel 1994 la sua opera cominciò a cambiare, e ha iniziato a sviluppare il lavoro di cura di più, che sono alla base dell’internazionalizzazione dei Tre. Il lavoro di German Bobe è caratterizzato da una miscela di stili, con immagini che vanno dal classico al kitsch, senza perdere di vista la dimensione sociale e critica.
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Le sue opere hanno a che fare con il sesso e la sessualità, come nel

• "Portrait of  Christophe in my Mind" video (1988), in cui celebra le forme del corpo maschile. 

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• Nel video "Dead Men Love" (1991) 
mette in evidenza la natura dei rapporti umani e il modo in cui sono mediati dalle ideologie dominanti diffusi dai mass media e la religione.
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• La religione è il tema centrale del video "Matsushima Ondo" (1991).
In questo lavoro, Bobe combina collage audiovisivo con animazione. La colonna sonora d’influenza asiatica suggerisce un confronto tra devozione religiosa e la rappresentazione sessuale, invitando lo spettatore a fare i collegamenti e riconoscere l'ironia in alcune delle somiglianze.
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• Nel video "The Professor" (1993)
in discussione politicamente e socialmente la prevalenza della lingua inglese
nel post-e neo-coloniali società. Più di recente, eseguito pezzi come: sculture, illuminazione e progettato per essere distribuito nello spazio pubblico 
"My Farm" (2007).

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Svolge anche numerose opere appositamente create e utilizzate come supporto al web, 

in uno di essi, "Modern Love" (2008) riflette sulla tecnologia nel quotidiano.

Le sue opere sono esposte in vari festival di video e in America Latina, Stati Uniti e in Europa. I suoi collage mix video live action con fotografie, opere grafiche, dipinti, disegni e immagini religiose.L'artista cosmopolita 

continua a essere preoccupato con il dilemma di 

"Come essere felici in Cile". 

Egli esplora la questione in video sperimentali attraverso l'evocazione di conflitti sociali e politici della nazione senza narrazione o un commento.  Oltre al video, Bobe lavora in: fotografia, pittura, design, performance, web e cinema. 

Oggi si è quasi ritirato dai videoclip, ma il suo nome è impresso nella storia del genere, PER SEMPRE.

Jason Simon

Jason Simon è un artista multimediale, che  lavora attraverso le  mostre di film/video e alternativa. I suoi video e installazioni sono documenti sperimentali incentrati sull' intersezione dei consumi e della cultura. Nel 2007 Simon realizza l'opera : “Three Videos", che poi  è stata rilasciata  su DVD. Il suo singolo canale mediatico composto da progetti , è distribuito da The Databank Video, mentre lui ha mostrato video, installazioni, fotografie e sculture sonore alla  Pat Hearn Gallery,  alla  Mostra Biennale, e in tutta Europa. I suoi scritti sono apparsi in molti posti; ha poi conseguito un master di arti  visive presso l'Università della California, San Diego. Precedentemente aveva studiato arte presso il Whitney Museum. Ha realizzato il Laboratorio di Arte e Tecnologia al Wexner Center for the Arts, in Ohio, che era l'unico impianto di artisti multimediali  all'interno di un importante museo d'arte contemporanea.

Bonnie Ora Sherk

Bonnie Ora Sherk è un architetto ambientale, progettista ed artista con oltre venticinque anni di esperienza nell'ideazione, pianificazione e sviluppo di siti culturali e ecologicamente sostenibili. Fondatrice e direttrice del riconosciuto 'Living Library /Life Frame' è stata ideatrice dei 'Portable Parks', delle vere e proprie isole verdi portatili, installate in zone urbane quali quelle di S. Francisco, S. Josè e non solo. I 'Portable Parks' hanno lo scopo di riportare al loro splendore naturale luoghi stratificati da ammassi di cemento e catrame tramite piante, animali da pascolo, con il coinvolgimento di tutta la comunità che accoglie con estremo entusiasmo la proposta 'verde' dell'artista. Il progetto prevede piani sistemici ricchi di contenuti localizzati in più aree e si sviluppa intorno a processi innovativi per la comunità, fornendo rivitalizzazione economica e valorizzazione del territorio e della comunità tutta. L'artista, il cui lavoro è stato riconosciuto più e più volte, opera dal 1970 con prestazioni e interventi pubblici, portando l'esperienza della natura in luoghi inaspettati e prettamente cittadini. Un'altra sua performance di forte impatto è stato il 'Sitting Still', in cui l'artista si siede, quasi come si riposasse, in alcuni angoli della città per circa un'ora, come se galleggiasse  in acqua su di una poltrona fatta di immondizia, sfoggiando un abito da sera o al distretto finanziario, il Gold of America Plaza' o, ancora, sul 'Gold Gate Bridge'. La prestazione ha come fine ultimo il poter cambiare l'ambiente che ci circonda, semplicemente, diventando parte di esso. Probabilmente l'atto più formidabile e di maggior effetto della serie del 'Setting Still' è avvenuto con il 'Public Lunch'. Bonnie Sherk viene vista e fotografata, come un animale in gabbia, dai turisti in una cella dello zoo di San Francisco mentre consuma un banchetto, sempre in tenuta elegante, attorniata da leoni e tigri che divorano carne cruda.

Mary Billyou‏

Mary Billyou, 43 anni, nasce negli Stati Uniti d'America, a Ovest di Hartford. Attualmente vive e svolge il ruolo di operatrice e assistente nel settore cinematografico e video a New York.

Nel 2003/2004 ha frequentato il Whitney Independent Study Program, ove si è laureata, mentre nel 2002, con la presentazione di film e video, ottenne il master (MFA) presso “The School of the Art Istitute” di Chicago.

La sua pratica include diversi interessi come spazi alternativi, pratiche collaborative, fotografie di strada, sistemi di ordinazione e, nei momenti di svago, adora fare lunghe passeggiate con il cane.

Con la sua carriera da regista ha presentato le sue opere in tutti gli Stati Uniti e Nord America, in Repubblica Ceca e in Cina.

Nel 2004 espone un video “Perhaps the Singer is Dead” con una durata di 7 minuti e con una colonna sonora ricca di parole e di pensiero centrando cosi l'attenzione sul senso dell'incapacità di trovare un fine.

Nel 2007 invece partecipa ad una mostra collettiva, “On the Collective for Living Cinema”, che riesamina gli obiettivi all'interno di catene economiche, politiche e sociali, organizzata come una serie di eventi di screening programmati singolarmente attraverso una “timeline” di documentazione.

All’“UNMASKED” nel 2009 sono stati presentati, sia a Firenze che a Torino, film e video di vari artisti contemporanei, inclusi anche lavori di Mary Billyou, che focalizzano la loro attenzione sulle forme di oppressione politica, discriminazione e violenza.

In seguito, a Marzo dello stesso anno, l'artista presenta al Festival “Immagini 1-9” un video di 10 minuti con immagini convulsive del ventesimo secolo; invece il 4 Aprile presso la sede Microcinema al Sundance, in collaborazione con Annelisse Fifi, mostra un breve documentario dedicato a Mohamed Yousry, un traduttore arabo emigrato negli Stati Uniti negli anni 80, la cui vita, dopo l’11 Settembre 2001, è cambiata radicalmente (il 13 dello stesso mese viene arrestato dal FBI di New York scontando cosi la sua pena).

Inoltre tra le diverse opere presentate da Mary Billyou nel 2009 ricordiamo anche “The Invalids”, opera esposta in “Hysteria: Past yet Present” ovvero una mostra che esplora l'isteria in relazione alla patologia e alla costruzione dell'identità femminile attraverso una pura forma artistica.

Con un acrilico e smalto su una tela di 37x18 cm, Billyou contribuisce al “Heal Dara G”, un centro di informazione e raccolta fondi per l'artista Dara Greenwald, per far si che guarisca da un cancro.

Nel 2010 il “Round Robin Collective” annuncia “Ecstatic” una mostra e una serie di eventi che si terranno per quattro settimane nell'ex convento di St.Cecilia a Greenpoint (Brooklyn) occupando le stanze dei quattro piani dell'istituto. Mary Billyou, insieme a tanti altri artisti, partecipa alla mostra con l'opera “Subspace Face”, un video proiettato in loop con una durata di 20 minuti, che focalizza l'attenzione sulle matrici percettive e filosofiche della “faccia” basandosi sulle tecnologie di riconoscimento facciale.

In seguito, in collaborazione con Jenny Vogel, Mary partecipa al “Double Bill”, una mostra a cura di New York Film in “Art in General” a Walker Street (New York). Il loro interesse è rivolto a psicologie parallele ma opposte: inconscio e conscio. Inoltre le loro opere web e testuali sono guidate da un interesse per il desiderio, per la malinconia, per il disordine e l'esistenza. Le opere presentate da Mary Billyou sono “ CBS Eye ” e “The Wonder of it All”.

Sempre nel 2010, inoltre, dalla Jerome Foundation Filmmaking ha ricevuto un sovvenzionamento per “GUN HAT” un film sperimentale, un (work in progress). E' un film in bianco e nero girato nella Chinatown di New York City, the Bowery, Central Park e Fifth Avenue e ricorda il genere di “film noir”. E' diviso in cinque sezioni che il produttore descrive come un compendio di film narrativo utilizzando solo gli elementi iconici.

Nel 2011, ancora una volta, Mary partecipa al Round Robin Collective presso Camel Art Space ad una mostra chiamata LIVE/WORK SPACE che si basa su collaborazioni condivise tra i diversi artisti. La mostra presenta diverse istallazioni di pittura, scultura e proiezioni di film e video che trattano le condizioni attuali e storiche in cui gli artisti vivono e lavorano nella città di New York.

Nel 2012, presso la galleria “soapbox” a Brooklyn (NY) 636 Dean Street, Mary Billyou partecipa al Re/Spond/Re/Peat, una mostra collettiva che riunisce artisti e gruppi di artisti che lavorano a discipline di performance, suono e supporti di stampa. Utilizzando l’idea del soapbox come punto di partenza, gli artisti invitano gli spettatori a diventare dei partecipanti attivi, creando cosi una piattaforma di scambio più intimo.

Per la terza volta consecutiva con “Hospitality” l’artista partecipa all’edizione 2012 del Round Robin Collective. Hospitality è una mostra organizzata presso l’ex ospedale Greenpoint di Brooklyn. Gli ospiti invitati alla mostra potranno, attraverso opere d’arte di collaborazione, istallazioni, performance ed altri eventi, osservare i diversi aspetti di ospitalità.

Inoltre in collaborazione con l’artista Audra Wolowiec del Round Robin Collective presenta un’altra sua opera, un video progetto intitolato “Conversation”.

Mary Billyou è riuscita ad esporre le sue opere di film e video anche al “The Underground Film Festival” (Chicago), al “Sundance Int’l Film Festival”, al “Black Maria Film Festival”, al “Festival immagini” (Toronto), al “New Museum” e “Squeaky Wheel”.

Attualmente partecipa al programma di Lower Manhattan lavorando su un impianto che include un video sovvenzionato dal Centro Sperimentale della TV 2006.

Altri suoi lavori :

"Case Study #6".

"Case Study #8".

"Available Properties".

"On the Alternative Art Space Movement in NYC" (Part 1-2-3).

"Ours be the tossing".

Janice Tanaka

Janice Tanaka dona una sensibilità distintiva alla sua intricata texture di collage video, che il critico Gene Youngblood ha descritto come: “del più alto calibro, mostrando una brillantezza visuale e una risonanza poetica, caratteristiche del lavoro di un maestro”.

Unendo osservazioni sociali e politiche, indagini filosofiche e introspezioni personali, Tanaka utilizza nelle sue opere filmati originali, appropriate immagini dei media, e processi di stratificazione elettronica, trasformando così l’autobiografico in universale.

Nelle sue prime opere, come Manpower e Beaver Valley (entrambe del 1980), manipola immagini cinematografiche e televisive allo scopo di criticare la rappresentazione da parte dei media dei ruoli di genere e delle differenze sessuali. In Memories from the Department of Amnesia (1989), Tanaka costruisce una struggente meditazione sulla perdita e sulla memoria attraverso un collage lirico di fotografie, testo e voce fuori campo che racconta una storia personale della vita di sua madre. In opere recenti come Who's going to pay for these donuts, anyway?, e No Hop Sing. No Bruce Lee..., Tanaka estende questa indagine autobiografica all’ambito culturale, esplora così la costruzione dell’identità Asio-Americana.

Tanaka scrive, "mi sforzo affinché il mio lavoro contenga un effetto primario viscerale, accoppiato a una dichiarazione analitica che riflette la molteplicità di una particolare esperienza e osservazione."

Tanaka ha conseguito un B.F.A. e un M.F.A. presso l'Istituto d'Arte di Chicago. Prima di diventare una videoartista, era una ballerina della Allegro American Ballet Company e ha studiato con il Folklorico Ballet in Messico. E’ la vincitrice di vari National Endowment for the Arts Fellowships e di un premio dell’ American Film Institute. Ha insegnato al Columbia College e alla University of Colorado. Attualmente, insegna presso la University of California a Los Angeles.

I suoi lavori video sono stati esposti a livello internazionale, in festival e istituzioni, tra cui: le edizioni del 1991 e del 1993 della Biennal Exhibitions at the Whitney Museum of American Art, New York; Museum of Contemporary Art, Chicago; Asian American International Video Festival; The Museum of Modern Art, New York; The Institute of Contemporary Art, Boston; Long Beach Museum of Art, California; Bonn Videonale; ed il World Wide Video Festival, The Hague.

Attualmente vive a Los Angeles e insegna al California Institute of the Arts.

Alcuni dei suoi lavori:

No Hop Sing. No Bruce Lee: What do you do when none of your heroes look like you? (1998)

Who’s going to pay for these donuts, anyway? (1992)

Memories from the Department of Amnesia (1989)

The Heisenberg Uncertainty Principle (1987)

Grass or When the Rain Falls on the Water Does the Fish Get Any Wetter (1985)

Ontogenesis (1981)

Sito ufficiale: http://www.janicetanaka.com