Doris Totten Chase

Chase è nata il 23 Aprile 1923 a Doris Mae Totten, l'unica figlia di un avvocato di Seattlle. Si è diplomata alla High Roosevelt School nel 1941. Ha studiato architettura presso l' Università di Washington.

Il suo lavoro ha un posto permanente negli archivi del New York Museum of Modern Art. Lavorare con la luce come il suo mezzo, con danzatori trasformati in forme colorate che scorrevano, Chase ha portato sensibilità al video. Il suo preferito particolareb della luce era di un azzurro pallido, simile al colore del cielo in un tramonto estivo. Altamente sensuale, il suo lavoro è fluido e stabile.

Chase ha avuto una carriera importante come pittottrice e scultrice prima di partire per New York, dove ha fatto dei video innovativi. Non ha avuto vita facile perchè di sesso femminile.

La sua arte successive, che spesso ha sostenuto la causa delle donne, è qualche indicazione del pregiudizio tale dolore causato dal concetto della donna casalinga, che non potesse fare altro.

Si ammalò gravemente dopo la nascita del figlio Gary avendo un "esaurimento nervoso". La causa del crollo emotivo è stato chiaro a lei: "stavo facendo tutto tranne quello che volevo fare, che era dipingere." Incoraggiato da un consigliere, ha cominciato a prendere tempo per dipingere. Ha studiato pittura brevemente l'olio con l'artista russo Jacob Elshin , e con l'artista greco Nickolas Damasco. Prese molto coraggio quando, nel 1948, uno dei suoi dipinti fu accettato alla Fiera annuale del Nord-Ovest.

Quando il figlio di Gary aveva 3 anni, e Doris era di nuovo incinta, Elmo contratto la poliomielite e divenne quasi totalmente paralizzato. Allo stesso tempo, che stavano costruendo una casa (della quale Doris Chase è stato l'architetto), per sostenere la famiglia, Chase ha insegnato pittura e disegno presso la Scuola Tecnica di Edison. Chase è stata accettata in Pittori Donne di Washington nel 1951. Chase rimase membro fino alla metà del 1960.

I primi dipinti sono paesaggi del nord-ovest e le figure, spesso i musicisti, in blocchi di colore. Lei spiega che l'ispirazione per il suo stile ai disegni strutturato di vimini prende spunto dall'arte della costa nord-occidentale dei nativi americani e carving.

Nel 1961, Chase viene invitato ad esporre presso la Galleria Numero a Firenze , Italia . Spettacoli successivi sono stati a New York e in Giappone.

Chase sperimentato la pittura su tele sagomate, quando uno dei suoi studenti ha dato alcuni pezzi di rovere lamellare. La sua prima mostra personale a New York, nel 1965, alla Galleria Smolin , conteneva dipinti su legno. Ha esposto una serie di piccole sculture dipinte all'interno con sezioni incernierate che si aprivano per rivelare ulteriori sezione di dipinti.

Presto i pezzi verniciati e le forme in legno lamellare divennero di grande importanza.

Inizio a lavorare con dei cerchi e ben presto riuscì a fare di essi un fonte di contatto con il pubblico, cioè l'osservatore poteva finalmente interagire con l'opera. Chase ha mostrato che le donne potevano creare anche loro sculture, pratica fino a quel momento attribuita solo agli uomini.

Nel 1968, ballerina Maria Staton utilizzato un set di cerchi in legno giganti creati da Chase per la sua coreografia. In collaborazione con Boeing , Chase produsse Circles , un film basato sul computer di cerchi filatura.

Regina dello schermo in un film della danza e della collaborazione scultura. Dal successo della prima collaborazione ve ne fu una altra chiamata Circle II. Utilizzando le separazioni dei colori che mostravano i ballerini e la scultura come forme di colore, Chase usò un lasso di tempo in cui le scie di luce seguivano la scia delle gambve delle ballerine. Il film è stato acclamato del 1973 alFestival del Cinema Americano di New York con il critico Roger Greenspun confrontandola a Matisse Dance 's pittura. Mentre il film Circle II era in produzione, Chase ha creato prototipi di sculture cinetiche per bambini, realizzati in schiuma di uretano a forma di cerchi racchiusi in un tessuto duro in fibra di vetro, dai colori brillanti. Le forme sono state progettate per i bambini per aiutarli con equilibrio e consapevolezza del corpo.

Dopo 28 anni di matrimonio, Chase ha chiesto il divorzio, pronto a vivere da solo e dedicarsi all'arte.

Colpiti da Circles II , i dirigenti scolastici presso la Columbia University invitarono Chase ad insegnare ad un corso di laurea nel reparto di film e video. Chase rifiutò, non volendo essere legata a qualcosa di diverso dal lavoro creativo.

Chase ha iniziato a lavorare in video nei primi anni 1970, utilizzando l'imaging del computer. Ha iniziato integrando le sue sculture con ballerini interattiva, usando effetti speciali. Victor Anconaha detto guardando il video di Chase sulla danza: "Guardare le cassette mi ha dato la sensazione di essere trasportati in un incantato, un viaggio che ricorderà a lungo ". L '"ambiente fosforescenti" da cui fu talmente impressionato Ancona non è altro che la luce iridescente mostrata per la prima volta come arte girato il video.

In cortina di vetro (1983), attriceJennie Ventriss angosciati per il deterioramento mentale e fisico della madre dal morbo di Alzheimer.

Lavoro più ampiamente dimostrato di Chase è una serie di 30 minuti drammi video riguardante l'autonomia delle donne più anziane, intitolato da sola . Nel 1993, Chase ha prodotto un documentario video sulla sua casa, il Chelsea Hotel . L'Hotel Chelsea è stato originariamente concepito come New York, prima casa grande appartamento cooperativa, di proprietà di un consorzio di famiglie ricche nel 1883, diventando un hotel nel 1905. Video di Chase ha reso omaggio al 110 ° anniversario della costruzione, e quelli che lo hanno chiamato a casa.

Nel 1989, Chase tornò a Seattle, dividendo il suo tempo tra le coste est e ovest, lavorando in video a New York e alla scultura a Seattle. Nel 1999, i suoi quattro pezzi in bronzo scultura Luna Gates , 17 metri di altezza, è stato installato a Seattle Center. MoMA di New York ha acquisito il video completo e opere cinematografiche. Il Seattle Art Museum ha un solo lavoro Chase nella sua collezione: un dipinto ad olio 1950. Muore all'età di 85 anni il 13 Dicembre del 2008.

Martha Rolser

E' una della più importanti figure nella scena artistica dagli anni ’60 ad oggi, nel suo lavoro pionieristico e sperimentale ha utilizzato diversi media: dal video alla fotografia, dall’installazione alla performance, al testo-fotografico fino a scritti critici. Il suo lavoro si è spesso interessato alla vita sociale e alla sfera pubblica manifestando spesso precise posizioni rispetto a temi quali il femminismo e la guerra. Nella sua opera Semiotics of the Kitchen (1975), quel luogo ordinario di lavoro "femminile" che è la cucina si trasforma in ribalta dalle fattezze teatrali, con il corpo della stessa Rosler ornato di grembiule (c'è sempre una divisa e un ruolo da esibire, confutare e infine rigettare) e posto in meccanica azione davanti ad una camera fissa. Servendosi di una mimica e di una gestualità sull'orlo della decontestualizzazione, e praticando così un detourment che cambia la luce sotto la quale osservare un coltello o una forchetta che pugnalano con ferocia l'aria, o il fragoroso scontrarsi di piatti e pentole sulla tavola, la Rosler compone in pochi minuti un esaustivo e e dettagliato catalogo per ri-orientarsi tra oggetti e strumenti che per una volta perdono il loro valore d'uso (davanti la mdp non sono altro che congegni che vanno a vuoto) e si trasformano in armi in mano al pacato virtuosismo di una finta casalinga.Tra i suoi lavori si riconoscono i fotocollage della serie Bringing the War Home(1967-72), che uniscono immagini di guerra a interni domestici confortevoli ed eleganti. All’inizio dell’invasione dell’Iraq da parte degli USA, Rosler ritorna sulla serie degli anni ‘ 70, attualizzando i foto collage con nuovi spazi, tecnologie e la rappresentazione stessa della guerra, come è facile intuire in Prospect for Today, Point and shoot o Invasion (2008).

Retrospettive di Martha Rosler sono state realizzate in Europa e a New Yok, tra 1998 and 2000, al New Museum e allI’International Center of Photography. Nel 2007 Il Worcester Art Museum, Massachusetts ha dedicato una mostra solo ai suoi fotocollage.

I suoi lavori sono stati esposti recentemente alla Biennale di Singapore, WACK! Art and the Feminist Revolution al The Museum of Contemporary Art, Los Angeles, PS1 in Queens, UnMonumental al The New Museum, New York, Documenta 12 e Skulptur Projekte Münster, nel 2007; e Ambitions d’Art at Institut d’Art Contemporain a Villeurbanne, Francia, nel 2008.

I suoi scritti sono stati pubblicati sia in cataloghi che su riviste e 14 sono i suoi libri distribuiti in diverse lingue sulla sua produzione fotografica, di saggi e di testi. Decoys and Disruptions: Selected Writings, 1975-2001, un libro di saggi scritti da Martha Rosler è stato pubblicato dalla MIT Press nel 2004 (ristampato, 2008). Altri progetti includono la Biblioteca di Martha Rosler -Martha Rosler Library- , una mostra itinerante di 8.000 volumi provenienti dalla collezione di Martha Rosler e il progetto If you lived here still in collaborazione con e-flux.

Una donna di carattere. Una di quelle che alle persone che esclamano di fronte a un quadro “questo potrei farlo pure io”, risponde: "Please, do it!", Fallo! Perché al pubblico spetta la responsabilità di interpretare il lavoro di un artista. O almeno quello di Martha Rosler. Ironica e provocatoria, femminista senza strafare, questa donna-icona dell’arte internazionale è da sempre impegnata a “demolire” le ipocrisie del quotidiano e i luoghi comuni della società e dell’informazione. La sua arte non è una rappresentazione fantastica sospesa sulle nostre teste. La sua arte è la realtà che ci circonda, con le sue metropolitane, le strade solitarie, gli aeroporti, la pubblicità, il potere, il cibo, il consumismo compulsivo, il sesso, le guerre, l’emarginazione, l’integrazione, le vetrine e le donne.

Domingo Sarrey

Domingo Sarrey è considerato il pioniere della video creazione in Europa. Il suo primo lavoro di videoarte è prodotto nel Centro di Calcolo dell'Università Complutense nel 1968, sebbene fosse ancora studente di Scienze Fisiche, realizzando lavori di creazione nel cinema 8 m/m. già dal 1960.

Collabora con importanti artisti internazionali in video ed installazioni, come Marcel Odembach, Peter Newman, Laurie Anderson, Wolf Vostell, Nan June Paik, etc. ed in Spagna con Angelo Orcajo, Salvatore Victoria, Eva Lootz, Pedro Gahrel, Conchiglia Sherry, J.A. Lleó J.R. dà Croce, etc. Fu il primo artista a realizzare e proiettare una multivisión con 6 proiettori, Panorama 78, MEAC (Museo Español de Arte Contemporáneo)1978.

Alcuni lavori, come Villa María, La Fábrica, Palabras, Radio Broadcast, Lectura ed altri, realizzati tra 1972 e 1982, sono stati esposti nelle prime manifestazioni video, come supporto artistico delle più importanti gallerie, centri di arte ed istituzioni: (Museo de Bellas Artes de Santander, 1978, Galería Juana Mordó, 1979, Rompeolas, 1982, Espacio P (de Pedro Gardel) 1982, Casa de Velázquez,1982, Instituto Alemán, 1983, Liceo Francés, 1983, Fundación Juan March, 1984, Alphaville "Circuitos de Video", 1984, Centro Nicolás Salmerón, 1986, Centro de Arte Reina Sofía etc. etc.).

Nel 1983 realizza i primi video in tempo reale programmati integramente con computer domestici, RND-Draw, Interactivity, etc. Furono inaugurati nel concerto visual della Fundación Juan March, (Ciclo "Música y Nuevas tecnologías") , essendo la prima esperienza di questo tipo in Europa.

Nel 1984 Battiti Urbani (“Latidos Urbanos”), il video più premiato del momento, che inaugura anche altri lavori di "Labirinti Urbani"("Laberintos Urbanos"), la prima esposizione di un video artista con video e fotografie realizzati in un museo spagnolo, (Museo Español de Arte Contemporáneo 1985). Questa esposizione fu portata negli Stati Uniti e presentata in varie università come la Columbia, N.Y., Washington, Virginia, etc., ed in vari centri culturali della Spagna e Stati Uniti.

È il primo video artista che inaugura un video nel Museo del Prado, ("Carlos III y la Ilustración", 1988), sotto l'incarico del Ministerio de Cultura ed il Centro de Arte Reina Sofía, davanti alla Regina di Spagna.

Attualmente lavora con processi digitali e tecniche di videoarte uniti al computer.

Lorenzo Scotto di Luzio

Lorenzo Scotto di Luzio è un artista napoletano (Pozzuoli, 1972). Frequenta lo studio napoletano di Giuseppe Desiato (Napoli, 1935), esponente della Body Art, subito dopo gli studi all’Istituto d’arte. Qui apprende l’uso di media diversi e l’attenzione a elementi propri dell'universo popolare, iniziando a realizzare i primi video, che nascono per l’appunto da quel linguaggio incentrato sul corpo. L'artista, che vive ora tra Napoli e Berlino, presenta una serie di lavori, sculture cinetiche simili a "macchine celibi", fotografie, disegni eseguiti con capelli, cortometraggi, confermando la poliedricità degli interessi della sua ricerca verso tutti i livelli di sperimentazione del linguaggio artistico. L'artista spesso protagonista delle sue opere, sfrutta ed esalta atmosfere che sembrano divertenti, ma che in sostanza sono dense di malinconica poesia, riflette sui grandi temi della condizione umana e sulla loro trasposizione nell'ambito artistico. Quest'ultimo è analizzato in tutti i suoi aspetti, dall'appartenenza ad un contesto storico ed antropologico sino al cosiddetto sistema dell'arte contemporanea con i suoi metodi di presentazione e circolarità delle opere.

Shahram Entekhabi

Shahram Entekhabi, nasce nel 1963 a Beroujerd, Iran.
Artista di origine iraniana, oggi, protagonista d'eccellenza internazionale. Fra Londra, Berlino, Tehran, Parigi, l'artista Shahram Entekhabi vive e presenta delicate performance inerenti il concetto di spazio urbano, tali da risvegliare la sensibilità assopita dell'Occidente.
L'ispirazione dei suoi lavori, va indagato negli scritti del XIX ° secolo di Charles Baudelaire, giungendo all'interpretazione dell'urbanità e del suo spazio come una riserva esclusiva per le abitudini della classe media, degli eterosessuali uomini, dei bianchi, della modernità tecnologicamente avanzata, cui preferisce piuttosto indagare il fenomeno della ghettizzazione dell"Altro" del "Diverso" e dell' "Estraneo", conseguenza della guerra fredda, scegliendo di mettere in rilievo gli individui invisibili o come spesso accade, spinti ad una auto-ghettizzazione forzata, come nel caso delle comunità di emigrati con le loro culture, tradizioni, ideologie, isolate dal sistema socio - culturale dominante. L'esempio lampante è la frequenza del fenomeno ghettizzante nelle culture medio-orientali.
Per questa ragione, la questione della "visibilità/invisibilità" è frequente nelle sue pratiche artistiche.
Attivo nel campo della "video- arte", fotografia, pittura, design, installazioni, performance art e community art, il percorso educativo-formativo raggiunge l'apice grazie allo studio dell'architettura presso l'Università di Teheran, Iraq, in Graphic Design accompagnato dallo studio accurato di architettura urbanistica, e ulteriore conoscenza della lingua italiana nelle città di Perugia e Reggio Calabria, Italia, favorendo esperienza e ampliamento degli orizzonti culturali personali.
L'attività di Shahram Entekhabi comincia con l'analisi attenta di una grande serie di "figure emigranti" - "migrant figure" che incarnano i clichè ed i comportamenti di diversi status emigranti, come di diversi periodi storici, dalla donna oppressa nella sua libertà dal marito fondamentalista o potenziale tale, alla grande emigrazione europea rivisitata nelle "guest worker", abiti economici, scarpe di vecchie tendenze, una valigia di cartone. Tuttavia, il grande "primo amore" di Entekhabi resta la natura concettuale di FILM, VIDEO più di qualsiasi altra caratteristica moderna. Concetto questo che attrae le Star di Hollywood, permettendo la fatidica abolizione del confine fra cultura popolare e cultura di lusso, trasformando Shahram Entekhabi figura di rilievo nell'ambito dell'arte-video e promotore della "Parasite Architecture" - "Architettura Parassita".
L'architettura Parassita mette in discussione gli aspetti della comunicazione sociale, e decostruisce la nozione di spazio pubblico e sua proprietà, sottolinea l'idea fondamentale dell'"informale" nell'arte di Entekhabi (n.b l'Informale si pone in forte polemica con tutto ciò possa essere riconducibile ad una forma, sia essa figurativa o anche puramente astratta. L'Informale, nega in modo esplicito ogni forma e con essa la conoscenza razionale che ne deriva.) ed affonda nel pieno della denuncia artistica dell'artista.
La Parasite Architecture si concentra sui temi della migrazione, e della diversità culturale, motivo guida dell'artista, il quale creerà estensioni informali ad architetture già esistenti, (ad esempio musei, luoghi di culto, etc,) proponendo in contemporanea la risposta artistica di cui l'Europa necessita dopo la profonda crisi morale, politica e ideologica conseguente agli orrori messi in luce dalla seconda guerra mondiale.
Le costruzioni informali in questione venivano evidenziate con nastri riportanti la scritta "caution" traducibile con "attenzione", al fine di suggerire un'idea lampo sulla sicurezza di alcune aree, un esempio esplicito è nelle "no-go Areas -ovvero Zone Vietate" in cui si palesa il concetto di esclusività e inclusività degli spazi pubblici per un motivo o un altro. Shahram Entekhabi, artista iraniano, risveglia la sensibilità occidentale, assopita dalle paure ed i timori creati dalla guerra fredda, tramite la più innocente delle armi, l'arte.

Gu Dexin

Gu Dexin è un artista la cui fantasia è alimentata da un forte amore per i giochi. Le sue opere navigano nel mare delle creature immaginarie da lui stesso create. I suoi recenti lavori si basano sulla tecnica di animazione, i suoi personaggi sono tutti stilizzati, si riducono a poche linee. Mette in scena un immaginario complesso e sarcastico. Gu Dexin viene spesso ricordato per la scelta dei materiali usati per le sue produzioni, molto spesso deperibili (frutta, carne, interiore di animali), che lascia deperire nello spazio in cui espone.

Chantal Akerman

Chantal Akerman è nata il 6 giugno 1950, a Bruxelles attualmente vive a Parigi. Regista, scrittrice, attrice, produttrice e compositrice, è una dei registi europei più importanti della sua generazione. Da adolescente, dopo la visione di Godard Pierot le fou si accorse che il cinema poteva essere personale e sperimentale. Akerman ha iniziato a fare i suoi film proprio nella fine degli anni '60 e ha dato un nuovo significato al termine "cinema indipendente", come l'incarnazione della pura indipendenza e creatività.

Akerman ha prodotto più di 40 opere - dalle caratteristiche 35mm ai saggi video documentari sperimentali, tra cui Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles; Saute mia ville (Blow up la mia città), Notizie da casa; Les Rendez-vous d 'Anna ; Je, tu, il, elle, vetrine'; Toute une nuit (Per tutta la notte); Les Années 80 (gli anni Ottanta); Nuit et jour (giorno e notte); D'Est (da est), Ritratto d' une jeune fille de la fin des années 60 à Bruxelles (Ritratto di una giovane ragazza alla Fine del the1960s a Bruxelles); Un Divan à New York (Un divano a New York), e più di recente, Sud e La Captive. Nel 1995 Akerman ha iniziato a sperimentare con installazioni video e ad esporre il suo lavoro in musei e gallerie prestigiosi.

Ogni film di Akerman è un mondo a sé, sono spesso girati in tempo reale in uno spazio che fa parte dell'identità del personaggio. Lei dipinge spesso le donne al lavoro e a casa, i rapporti delle donne con uomini, donne, bambini, cibo, amore, sesso, arte.

I genitori dell'Akerman sono sopravvissuti all'Olocausto dalla Polonia, ed hanno rifiutato di parlare, questo divenne il nucleo della sua ispirazione. Il peso della storia è evidente in ogni momento del suo lavoro, anche se lei è interessata alla storia con la piccola 's'. I protagonisti dei suoi film a volte ci ricordano la celebre flâneurs che trovano le meraviglie nascoste negli angoli, e talvolta assomigliano ad automi che emergono nei compiti della vita quotidiana. Akerman tira fuori i difetti imprevisti della routine e la dissimmetria nei modelli di vita quotidiani. Tuttavia, oltre a mostrare la complessa problematica dell'esistenza umana, Akerman è anche romantica, i suoi film sono pieni di musica, magia d'azzardo, nostalgia e speranza.

Il complotto nei film di Akerman è minimo o inesistente, la sua è una immersione nell'ellissi del cinema narrativo tradizionale. In questo modo, evita con coraggio luoghi comuni, e lo spettatore si aspetta di affrontare i suoi film con gli occhi e la mente aperti. L'emozione è dentro i personaggi, provenienti dall' impossibilità di situarsi comodamente in tutto il mondo. Lei usa spesso la tecnica del collage per inserire i molti passaggi autobiografici. Tuttavia, Akerman indaga anche su scottanti tematiche: il razzismo nel Sud America, l'immigrazione clandestina e il terrorismo in Medio Oriente.

Lungometraggio celebre dell'Akerman, Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975), è stato elogiato dal New York Times come "il primo capolavoro del femminile nella storia del cinema." Visto da molti come un film sperimentale per la sua epoca, ed è anche un punto di riferimento femminista ed una meditazione, sul trascorrere del tempo. Il film mostra tre giorni nella vita di Jeanne Dielman, una super-efficiente casalinga che guadagna come prostituta per mantenere se stessa e suo figlio.

Un recente film dell'Akerman, Down There (2006) è girato quasi interamente all'interno di un appartamento a Tel Aviv durante il suo soggiorno nella città. Il film è girato per mezzo di una telecamera fissa, che attraverso le tapparelle, riprende con particolare attenzione edifici vicini i cui residenti mangiano, bevono e fumano dai balconi.

Masao Adachi

Masao Adachi fin da giovane si fa notare per il suo carattere sperimentale insito nel suo cinema, nel 1966 l'amicizia con Kojiwakamatsu lo porta a collaborare con lui per circa 10 anni, dove nascono film come L'estasi degli angeli, (ove compare come attore) Le vergini di bianco stuprate e L'embrione caccia in segreto. Il successo di Adachi è destinato ad andare avanti, si inserisce nella compagnia di Nagisa Oshima per almeno 3 anni (il diario del ladro di shijuku), fino ad arrivare nell'essere stato invitato alla "Settimana dei registi al Festival di Cannes", colto da inspirazione nella strada per il ritorno Masao produce un film documentario intitolato Armata rossa (una critica implicita alla politica, indotta a voler formare eserciti dove la lotta armata è separata da ciò che riguarda la vita quotidiana, formando elite della pistola, senza pensare che il popolo che combatte ha già di per se il potere decisionale), e Dichiarazione di guerra mondiale (1971). In seguito svilipperà Truppe di proiezione dell'autobus rosso ambientato in luoghi comuni (piazze palestre ecc). Masao Adachi attivista e praticante di varie teorie riguardanti sia l'espressione che la proiezione cinematografica stessa. Nel 1974 lascia il Giappone dedicandoci alla rivoluzione palestinese facendo perdere le sue traccie fino al 1997, subito arrestato. Nel 2001 gli viene concessa l'estradizione e dopo altri 2 anni di carcere pubblica Cinema/rivoluzione, autobiografia della sua vita. L'ispirazione per i suoi film gli arriva leggendo. Ad un'intervista afferma che dopo aver letto sul socialista anarchico l'affermazione che la storia è una copia, una ripetizione, dove l'eternità è: tutto si dissolve, tutto comincia uguale, gli viene spontaneo domandarsi come reagire, cosa fare, e sopratutto come liberarsi? Partendo dal presupposto che io veda la figura del rivoluzionario continuamente disillusa, sconfitta ma nonostante tutto mai doma, in questo ripetersi di cose, cogliere quelle parti di noi, anche se piccole, eccedono perchè solo la libertà comincia come vita umana, e l'espressione diventa possibile. Masao Adachi al momento sta lavorando al suo nuovo film intitolato Il tredicesimo mese dell'anno.

Richard Serra

Richard Serra è nato nel 1939 a San Francisco. Mentre lavora nelle acciaierie per sostenersi, Serra frequenta l'Università della California a Berkeley e Santa Barbara (1957-1961), ricevendo una laurea in letteratura inglese. Successivamente studia come pittore all'Università di Yale, New Haven, dal 1961 al 1964, (completando il suo BFA e MFA lì.) Mentre a Yale, Serra lavora con Josef Albers sul suo libro "The Interaction of Color "(1963). Durante i primi anni del1960, entra in contatto con Philip Guston, Robert Rauschenberg, Ad Reinhardt e Frank Stella. Nel 1964 e 1965 Serra riceve una borsa di studio da Yale, e parte per Parigi, dove partecipa alla ricostruzione dello studio di Constantin Brancusi presso il Musée National d'Art Moderne. Trascorre gran parte dell'anno successivo a Firenze con una borsa di studio, e viaggia in tutto il sud Europa e in Africa settentrionale. Il giovane artista lavora alla sua prima mostra personale alla Galleria La Salita, a Roma, nel 1966. Nello stesso anno, si trasferisce a New York dove la sua cerchia di amici incluso Carl Andre, Walter De Maria, Eva Hesse, Sol LeWitt e Robert Smithson.

Nel 1966 Serra produce le sue prime sculture con materiali non tradizionali, come fibra di vetro e gomma. Dal 1968 al 1970 esegue una serie di "Splashpieces", in cui viene spruzzato piombo fuso e gettato nelle giunture tra pavimento e parete. Serra propone la sua sua prima mostra personale negli Stati Uniti alla Leo Castelli Warehouse, di New York. Nel 1969 installa i pezzi "Prop", le cui parti non sono saldate tra loro o comunque collegate, ma sono bilanciate esclusivamente dalle forze di peso e di gravità.Quell'anno, Serra viene incluso nella "Nove giovani artisti". I premi furono: Theodoron al Solomon R. Guggenheim Museum di New York. Produce il primo dei suoi numerosi film brevi nel 1968 e nei primi anni del 1970 sperimenta con il video. Il Pasadena Art Museum organizza una mostra personale del lavoro di Serra, nel 1970, e nello stesso riceve un John Simon Guggenheim Memorial Foundation. Nello stesso anno, esegue Spiral Jetty al Great Salt Lake nello Utah; Serra, tuttavia, viene colpito poco dal vasto paesaggio americano sembra più interessato ai siti urbani, e nel 1970 installa un pezzo in un vicolo cieco nel Bronx . Riceve la Medaglia Skowhegan per la scultura nel 1975 e si reca in Spagna per studiare architettura mozarabica nel 1982.

Serra viene onorato con mostre personali alla Kunsthalle di Tübingen, in Germania, nel 1978, il Musée National d'Art Moderne, Parigi, nel 1984, il Museo Haus Lange di Krefeld, in Germania, nel 1985, e il Museum of Modern Art, New York , nel 1986. Il 1990 ha visto un'ulteriore lode per il lavoro di Serra: una retrospettiva dei suoi disegni al Bonnefantenmuseum di Maastricht; il premio Wilhelm Lehmbruck per la scultura a Duisburg nel 1991, e l'anno successivo, una retrospettiva al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,a Madrid. Nel 1993 Serra viene eletto membro dell'Accademia Americana delle Arti e delle Scienze. Nel 1994 gli viene conferito il Praemium Imperiale dalla Japan Art Association e un "Honorary Doctor of Fine Arts" presso il California College of the Arts, Oakland. Serra ha continuato ad esporre sia in mostre collettive che personali in luoghi come la Galleria Leo Castelli e la Gagosian Gallery, New York. Continua a produrre su larga scala strutture in acciaio per i siti di tutto il mondo, ed è diventato particolarmente famoso per i sui archi monumentali, spirali ed ellissi, che impegnano lo spettatore in un'esperienza alterata dello spazio. Dal 1997 al 1998 il suo Ellissi Torqued (1997) è stato esposto dal Centro Dia for the Arts, di New York. Nel 2005 otto opere più importanti di Serra sono state installate in modo permanente al Museo Guggenheim di Bilbao, e nel 2007 il Museo d'Arte Moderna di New York ha montato una grande retrospettiva del suo lavoro.

Maurizio Cesarini

Maurizio Cesarini nasce a Senigallia il 17 luglio 1957.

Ha frequentato l’Accademia di Belle Arti di Urbino ed attualmente è docente all’Accademia di Belle arti di Frosinone.

Video artista, performer e successivamente fotografo.

Nel 1974 con Azione in perdita (video arte), infatti, inizia ad affrontare il tema del quale si occuperà nell’intera carriera:

l’identità come paradigma dell’esistenza.

Nell'opera difatti ci presenta una serie di situazioni statiche in cui l’artista impone la sua figura, il suo esserci, per poi svanire eliminando la presenza corporea che non è più quindi un elemento tangibile e certo. Nel 1975, ancora una volta, il corpo è manifestazione dell’esistenza questa volta in una dimensione conflittuale con quella dell’identità. Nella performance Identico - Inidentico, Cesarini veste i panni di una donna accanto ad una modella invece in abiti maschili. Man mano entrambi si spogliano dei propri vestiti e dell’identità fittizia assumendo nella dimensione corporea la loro vera natura di uomo e di donna.

Nel 1977 con la performance Il senso della ferita, il concetto sopraelencato viene esplicitato ulteriormente. Cesarini si sveste di abiti sia maschili che femminili, svelando la propria esistenza corporea che per rappresentare un dato tangibile viene dilaniata di tagli e ferite. Il lento fluire del sangue è metafora, quindi, di una realtà non immediatamente apprezzabile e intuibile.

Negli anni '80 identità ed esistenza si imbattono nell’ambiente che ci circonda come si può ben notare nelle due opere Il buio della notte l’avvolse agli occhi e Il tempo delle cose.

Nella prima, Cesarini pone il luogo come paradigma di esistenza, la figura si muove nell'angusto spazio domestico, quasi prigioniero dell'ambiente e di conseguenza di se stesso.

Nella seconda, mostra un processo di identificazione con gli oggetti che ci rappresentano. Essere è anche essere le cose che ci costituiscono e nelle quali ci identifichiamo.

Le opere del 2000, utilizzano in gran parte la fotografia, con una particolare declinazione tecnica, la stampa plotter su grandi fogli di carta, anche in questo caso l'artista pone un problema identitario, nel senso di definizione dell'immagine; alcune riportano la dicitura “Workable” e si riferiscono a fotografie scattate ad oggetti trovati, su cui l'artista interviene discretamente; in altre la scritta “My work” indica che gli oggetti fotografati non hanno subito alcun intervento da parte dell'autore. Nello stesso periodo Cesarini adotta ed esplora le possibilità del video, anche qui con una idea del frammento, del lacerto di realtà che assume senso nel montaggio, con una idea di trasversalità della tecnica che non viene utilizzata in senso pienamente tecnologico nell'idea di una eccellenza metodologica, ma assumendo scientemente gli errori e i difetti che si possono produrre utilizzando gli strumenti al minimo ed al massimo delle loro potenzialità.

Nel corso del tempo ha esposto in varie mostre in Italia e all’estero, tra le più recenti ricordiamo: “Video Zoom” al Crane Arts Center di Philadelphia negli USA, “Camera con Vista - arte in video” presso la Galleria Arearte Senigallia (AN), “Osservare il pensiero riflesso” alla Mole Vanvitelliana - Atelier dell’Arco Amoroso di Ancona, “Video Zoom” alla Galleria Sala 1 di Roma, “Video Zoom” al Biz-Art Center Gallery di Shanghai in Cina, “The Collective Eye”, presso l’Arco Amoroso in Ancona.

Rossella Biscotti

Giovane artista italiana, Rossella Biscotti nasce a Molfetta nel 1978, attualmente vive e lavora a Rotterdam. Rossella Biscotti riflette sulla narrazione attraverso video, foto, installazioni, oggetti. Il suo approccio è quello di proporre anzitutto un confronto con immagini di vita rubate di nascosto da lei in prima persona o recuperate negli archivi di altri esseri umani. La memoria e la ricostruzione di storie passate sono al centro delle opere di Rossella Biscotti. I suoi lavori - video, fotografie, videoinstallazioni - partono da ricerche ai limiti dell'impossibile e congiungono ricordi d'antan e i loro sviluppi nel presente, narrazioni personali e le loro implicazioni collettive, cause ed effetti.

Un'incessante interrogazione della realtà, perché, secondo Rossella Biscotti "la verità non esiste, né esiste un'unica versione della storia".

Le sue opere così "presentano" i codici linguistici con i quali le immagini vengono costruite e fruite. Con i suoi video, Rossella Biscotti ha utilizzato e destrutturato dall'interno il modello del documentario, come in Sparatoria su Dam del 2005, del telefilm o della soap opera, come in Muctar del 2003, ha scelto di aderire ai fatti della realtà senza alcuna sovrapposizione "di regia", come ne Il ripristino della vasca vuota del 2006, o di offrire immagini sospese nel giudizio e animate da un senso di meraviglia nel costruire un ritratto, in Patricia e Antonio o in Rick del 2002.

Questa riflessione sull'immagine è solo l'inizio.

Infatti, le sue opere possono essere definite come processi e hanno la caratteristica dei lavori site specific, non rispetto al luogo fisico ma all'idea mentale di come viene percepito e parallelamente fruito il luogo. Lavorare sul processo "in fieri" equivale a riflettere e rappresentare la natura della narrazione e le consente di chiamare in causa la presenza dello spettatore anche quando realizza video, interviene con le foto o proietta su una parete quella parola con un flash modificato.

L'idea di innescare un nuovo processo mentale coesiste anche col lavorare sul processo che ha prodotto quelle date immagini, come ne Il sole splende a Kiev del 2006. Questo progetto nasce da una ricerca di archivio destinata a mettere in relazione le persone coinvolte del disastro di Chernobyl. Lo scopo del lavoro è riattivare una memoria collettiva e dare voce a storie personali, a eroi muti che scompaiono rispetto ai grandi fatti della Storia. L'immagine, tradotta in diapositive tagliando una pellicola 35mm proiettate in sequenza, sembra essere sempre la stessa, ma non lo è. I diversi fotogrammi sembrano innocui, e lo sono, hanno perfino degli errori di messa a fuoco. Ma qualcosa di essi ci riguarda profondamente. Seguendo il video, interviste fatte ai sopravvissuti di quell'episodio, e i passaggi riportati sul poster finale del progetto, si comprende che le "macchie" appena notate su alcuni fotogrammi non sono un errore della rappresentazione, bensì costituiscono il risultato della vita stessa. Quelle macchie sono il prodotto delle radiazioni che hanno attaccato la pellicola fino a diventare l'unica vera prova, muta, della effettiva presenza delle radiazioni nel momento in cui veniva girato il filmato documentario.

Il concetto di traccia è un "liev motiv" fondamentale per Biscotti. Nell'opera New Crossroads del 2006, realizzata con Kevin van Braak in Sudafrica, le tracce sono travi di legno verde che si trovano disperse nelle case, inglobate nelle costruzioni o tenute nelle camere delle baracche come trofei. Questa dispersione è il risultato di un intervento diretto dagli artisti nella vita e nel quotidiano di quel luogo: dopo aver realizzato una torre di travi in legno di colore verde, colore prezioso per la cultura locale, con l'appoggio degli abitanti del luogo li hanno invitati ad appropriarsene. Nel video si vede la torre di Babele che si disfa: la forma chiusa in sé della scultura si disperde nella vita e diviene socialmente utile sia per costruire che per preservare la memoria di quel momento condiviso con la comunità in un modo diverso.

La traccia per l'artista è quindi un indizio e un immenso. Ciò che lega i vari modi di rapportarsi alla realtà di Biscotti è infatti una riflessione sul ruolo dello spettatore in quel dato momento rispetto alla coscienza collettiva che si dovrebbe avere e sul potenziale propositivo dell'immaginazione.

Negli ultimi anni, Rossella Biscotti si interessa alla relazione tra la memoria e la ricostruzione del ricordo, tra l'amnesia e la censura, il vuoto e la percezione del moderno.

Questo è visibile in diverse sue opere come ne L'uomo clandestino del 2008 dove Biscotti elabora nel cinema sia l'esistenziale sia il racconto. Quella che si vede in questo film è il risultato di un incontro, tra lei e Joseph D. Pistone, tra lui e la sua storia. Questo incontro avviene su un set da noir, creato appositamente dall'artista. Pistone descrive il suo cambiamento di persona: da Pistone a Donnie Brasco. L'essere "undercover" è un continuo aggiustarsi alla realtà circostante senza perdere di vista il proprio io. Per questo Pistone ha l'abilità di essere "attore e se stesso", agente e gangster, testimone nei processi e attore sul set cinematografico.

In una delle sue ultime opere, A short story about memory penthotal and dreams, Biscotti approfondisce ulteriormente il discorso della memoria cancellata, dirigendo lo sguardo dello spettatore verso il soggetto traumatizzato. Biscotti annota i frammenti di ricordi con un psichiatra tedesco, Jan Bastiaans, una figura contorta che usava l'LSD per esperimenti post seconda guerra mondiale.

Richard Billingham

Richard Billingham, nato il 25 settembre 1970, è un fotografo ed artista inglese conosciuto per il suo libro "Ray's a laugh", nel quale documenta la vita del padre alcolizzato Ray e della madre Liz, obesa e molto tatuata.

Richard Billingham è nato a Birminghan e ha studiato come pittore al Bournville College of Art e all'University of Sunderland.

Ray's a Laugh è un romanzo fotografico della povertà e della depravazione nella quale è cresciuto.

Le fotografie, impressionate sulla più economica pellicola che aveva trovato, contengono colori insolenti e una cattiva messa a fuoco che aggiungono autenticità e franchezza alla serie.

Ray,suo padre, e sua madre Liz, sembrano all'inzio figure grottesche e deviate, con il padre alcolizzato sempre a casa, e la madre, obesa e accanita fumatrice con un predilizione per i sopramobili e i puzzle.

Tuttavia, vi è una tale integrità in questo lavoro che Ray e Liz alla fine traspariscono come personalità ancora profondamente umane e toccanti.

Il critico Julian Stallabras descrive Ray e Liz come incarnazioni di "ciò che è nella leggenda uno stoicismo in particolare inglesi e resilienza, di fronte alla tempesta della modernità".

Nel 1997 Billingham è incluso nella mostra dei giovani artisti inglesi della Royal Academy of arts, dove espose la collezione Charles Saatchi.

Sempre nel 1997, vinse il premio per la fotografia Citigroup. Ottene una candidatura nel 2001 al Turner Prize per il suo lavoro da solista alla Ikon Gallery di Birminghan.

Fece inoltre fotografie di paesaggi in posti di personale affetto attorno la Black Country, e molti di questi furono scelti nel 2003 dall'organizzazione The Public per inserirle in un libro.

Fece molte sperimentazioni anche nel campo dei video, dei film e delle proiezioni.

Alle fine del 2006 Billingham mostrò una nuova serie di fotografie e video ispirati ai ricordi della visita allo zoo di Dudley quando era bambino.

La seria, chiamata "Zoo", fu commissionata dall'organizzazione delle arti basilari di Birmingam,la Vivid, e fu mostrata alla Compton Verney Art Gallery di Warwickshire.

Negli anni successivi crea una serie di fotografie della "Constable Country", l'area sui confini tra Essex e Suffolk. Furono mostrate alla Town Hall Gallery di Ipswich.

Nel 2009 e nel 2010 ha partecipato all'esibizione al Kunstmuseum Wolfsburg, in Germania, intitolata "Ich, zweifellos".

Attualmente vive a Brighton, e viaggia spesso. E docente di arti fotografiche alla University of Gloucestershire.